Definizione ed esempi di animazione limitata

L’animazione limitata si avvale di tecniche speciali per limitare lo sforzo necessario per produrre l’animazione completa, in modo che non ogni fotogramma debba essere disegnato individualmente.

Quando si producono da 20 minuti a due ore di film d’animazione a 12-24 (o anche 36!) fotogrammi al secondo, che possono impilare fino a migliaia o addirittura milioni di singoli disegni. Anche con un team di animazione completo in una società di produzione su larga scala, questo può essere quasi impossibilmente laborioso.

Gli animatori utilizzeranno quindi tecniche di animazione limitate, che prevedono il riutilizzo di tutti o parte dei fotogrammi animati esistenti e il disegno di nuovi fotogrammi solo quando necessario.

Questo è spesso illustrato in modo più evidente nell’animazione giapponese; in effetti, è uno dei motivi per cui la gente spesso sostiene che l’animazione giapponese sia inferiore a quella americana, anche se l’animazione americana fa spesso uso di tecniche di animazione limitate. È solo un po’ meno ovvio.

Esempi di animazione limitata

Uno degli esempi più semplici di animazione limitata è il riutilizzo dei cicli di camminata. Se il vostro personaggio sta camminando verso qualcosa e avete creato un ciclo di camminata standard a 8 fotogrammi, non c’è bisogno di ridisegnare il ciclo di camminata per ogni passo. Basta invece riprodurre lo stesso ciclo di camminata più e più volte, cambiando la posizione del personaggio o lo sfondo per mostrare il movimento che avanza sullo schermo.

Questo non vale solo per le persone; pensate alle ruote di una locomotiva che girano o alle ruote di un’auto che girano. Non c’è bisogno di animarlo più e più volte quando gli spettatori non saranno in grado di dire che si è riutilizzato lo stesso ciclo, purché il movimento sia fluido e costante.

Un altro esempio è quando i personaggi parlano, ma non muovono nessuna delle altre parti visibili del loro corpo. Invece di ridisegnare l’intera inquadratura, gli animatori utilizzeranno un cel con il corpo di base, e un altro con la bocca o anche l’intero volto animato sopra di esso in modo che si mimetizzi senza soluzione di continuità con i gel stratificati. Possono semplicemente cambiare i movimenti della bocca o possono cambiare l’espressione del viso o persino l’intera testa. Questo può contare per cose come le braccia che oscillano su corpi statici, parti di macchine, ecc… Tutto ciò in cui solo una parte dell’oggetto si muove. Ciò che conta di più è che si mimetizzi senza soluzione di continuità.

Un altro esempio è rappresentato dai fotogrammi di attesa in cui i personaggi non si muovono affatto. Forse si sono fermati per una battuta di reazione, forse stanno ascoltando, forse sono congelati nel terrore. In ogni caso, non si muovono per qualche secondo, quindi è inutile disegnarli nella stessa posizione. Invece, lo stesso fotogramma viene riutilizzato e scattato più e più volte per la durata corretta usando la telecamera a rostro, quando l’animazione viene portata su pellicola.

Stock Footage

Alcuni spettacoli animati si avvalgono di sequenze animate che vengono riutilizzate in quasi tutti gli episodi, in genere per qualche momento caratteristico che è una parte fondamentale dello show. A volte le riprese vengono riutilizzate anche in immagini speculari, o con varie modifiche di zoom e pan per utilizzare solo una parte della sequenza animata, ma con una variazione sufficiente a farla sembrare unica.

Flash, in particolare, rende le limitate tecniche di animazione estremamente semplici e banali, riutilizzando spesso le forme dei personaggi di base e le sequenze di animazione anche senza l’uso estensivo di tween per sostituire l’animazione fotogramma per fotogramma. Anche altri programmi come Toon Boom Studio e DigiCel Flipbook migliorano questo processo e rendono facile il riciclo delle riprese e della character art.

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